Lenacay

Lenacay es el nuevo proyecto musical surgido de los creadores de la mítica formación Ojos de Brujo: Ramón Giménez, DJ Panko y Xavi Turull. En esta nueva aventura se les unen el guitarrista flamenco Eduardo Cortés y su hermana, la bailaora Yolanda Cortés,  y la cantante Paula Domínguez. Los hermanos Cortés son hijos de la renombrada bailaora La Tani, mientras que Domínguez, apodada “La Camaleón”, es una magnífica y versátil vocalista de amplio currículum, ya en jazz, soul, flamenco y otros sonidos mestizos. Al combo se ha sumado Charlie Cuevas, proteínico bajista de Cerdanyola.

Ryma, el primer álbum de Lenacay, es un poderoso viaje de once composiciones a través de las raices del flamenco, combinado con una fuerte dosis de música electrónica, guitarras eléctricas, funk, soul y jazz. Ramón Giménez “El Brujo”, productor y alma del proyecto, dirige los diversos caminos por los que navega el sonido de Lenacay mediante una extraordinaria programación rítmica basada en los distintos palos del flamenco: rumbas de la casa con la voz y el scratch de DJ Panko (Walking on las Ramblas), una profunda y emocionante soleá industrial (Séptimo Cielo), bulería experimental (A mi tío Grabiel) , harmonías de taranto con tangos y hip hop (“Tangoranto”) y la incursión hacia ritmos más funky y propios del r&b con la fresca y exquisita voz de Paula, que se atreve a alcanzar registros propios del soul y ensamblarlos sin esfuerzo aparente con el flamenco y cantando además en inglés  (“If I let you” o “7 Days”). “Cielo Azul”, rumba fresca y pegadiza, es el primer single extraído de Ryma.

Ryma sienta las bases del nuevo y vital sonido de Lenacay, que comenzará a rodar un poderoso show multidisciplinar en directo por diversas ciudades del estado español y europeas.

PACHAMAMA CREW

PACHAMAMA CREW

Integración social a través del Hip Hop

PACHAMAMA CREW, es un colectivo de hip hop compuesto por dominicanos, mexicanos, chilenos, ecuatorianos, españoles, y bolivianos, viviendo en el mismo barrio:CUATRO CAMINOS. Pachamama Crew se dió a conocer por vender 3000 copias del maxi “ESTILO 4K” en un mes, en el metro de Madrid (Gran vía y Cuatro caminos).

El grupo está concienciado con los problemas de su alrededor, por esto colaboran y participan activamente en distintos proyectos sociales como los Talleres HIP HOP en los barrios, en la Campaña de Naciones Unidas contra la pobreza, donde compusieron la canción principal.
En diciembre 2007 fueron nominados a MEJOR GRUPO LATINO DE ESPAÑA 07, en los premios del canal de televisión Canal Latino tv.
En 2008 salió a la luz el street álbum “LA UNION HIZO LA FUERZA”, el cual presentaron en 2009 por España, Bolivia, Colombia, y Venezuela. Producido por una institución en la historia del Hip Hop en España: Jotamayúscula. Ese mismo año, dieron vida al video clip “LA SEMILLA”, donde colabora la activista, premio nobel alternativo y revolucionaria india VANDANA SHIVA.
En Abril de 2010, Pachamama Crew, vuelve a innovar en el mercado y lanzan “Sur Raices, De Vuelta al Barrio”, un nuevo trabajo con más de 30 canciones, 50 fotos, videos y todo en un formato nunca utilizado en España: tarjetas USB. 500 copias exclusivas que se venden por internet en un mes.

Discografía:
SUR RAICES, DE VUELTA AL BARRIO
Mixtape (2010)
LA UNION HIZO LA FUERZA
Mixtape (2008)
ESTILO 4K
Mixtape (2006)
Actualidad:
Pachamama Crew acaba de firmar con Warner Music su primer álbum oficial llamado LAGRIMAS que saldrá en Octubre 2011.
http://pachamamacrew.blogspot.com
www.myspace.com/pachamamacrewoficial
www.myspace.com/hbarriga

La Puta Opepé

Vuelve con fuerza uno de los grupos pioneros del rap español, una de esas formaciones necesarias para entender los orígenes del dancehall en castellano. Con todos sus miembros originales (Paddy Paquito aka el Xarro de las Calaveras, el Xino aka Golpessito y Mr. Beat, El Hermano L, Biyi y Don Manolo), La Puta Opepé retoma los escenarios con la misma energía que les hizo triunfar a finales de los noventa con canciones como Don Simón, Escupe la flema, Mallorka es Fonki, Jose Mari o Batalla de Cazalla.

Todo empieza en 1990 , cuando varios personajes mallorquines empiezan a juntarse entorno a la cultura hip hop: Paddy Paquito (el Xarro de las Calaveras), Xino (Golpessito, Mr. Beat), El Hermano L, Biyi, Don Manolo, el Paes, Tricky, Ricky (Smurf), Dj Jose, Wild Cat… De todos estos, los cinco primeros deciden tomar juntos el camino de la música y se bautizan como La Puta Opepé.

En esos momentos no existía aún una nomenclatura propia para enmarcar los elementos que confluyen entorno a la cultura hip hop, de hecho hacía poco tiempo que esta género y estilo de vida había irrumpido de forma espontánea. La Puta Opepé gustan de ese sentimiento de furia, de reivindicación, de diferenciación. De protesta real y a la puta cara. ¿Como que no hay futuro? En tres años, tres maquetas: “Opepé”, “Esplendor en la hierba” y “La gran Ele a granel”.

La Puta Opepé empieza a darse a conocer con temas que destilan inteligencia, frescura y sentido del humor sin complejos. Se graban canciones que incluso a dia de hoy aún son objeto de versiones. Esta manera de hacer, tanto en la composición musical como en las líricas, colocan al grupo en el factor diferencial de una movida reivindicativa como es el hip hop, precisamente por canjear el drama por el sentido del humor. Una especie de visión mediterránea. Ácida de crítica pero despejada como un día de sol.

En el 1995 firman con el primer sello de hip hop independiente del país, “Yo gano, tú pierdes” (hoy Superego), para un año después editar “Vacaciones en el Mar”, el segundo LP de la historia del rap español independiente y considerado por la critica y público como el mejor trabajo publicado de éste género. Dancehall, reggae, funk setentero y hip hop; todo ello envuelto y presentado dentro de un universo que se rie de si mismo y baila con un gueto blaster en el hombro. Todo ello cantado en castellano, el salvoconducto que les abrirá las puertas del mercado hispanohablante.

En 1998, editan el maxi single: “Batalla de cazalla”, la primera referencia del ragga hip hop en castellano, que incluia el primer riddim publicado en España.

En el año 2000 se publica el largamente esperado, y posteriormente aclamado, “La Puta Opepé presenta a los Cuñados del Fonk en Chanelance” que es descrito por la crítica como “la obra maestra del hip hop nacional”. Bajo el pseudónimo de “Los Cuñaos” presentan un disco inspirado en el funk de los setenta pero hispanizado, que se aleja de James Brown y abraza el funki-cañí de los Chichos. Chanelance bien podría ser la banda sonora de una película de delincuentes juveniles en la transición española.

Un año después, en 2001, aparece el EP “Los Cuñaos Remezclaos” que realizan destacados productores españoles como Dave Bee (Jazz Two), Jota Mayúscula (+ Graves) o R de Rumba (Violadores del Verso). Una experiencia inédita en la escena hip hop española hasta el momento.

El 2002 La Puta Opepé presenta a Raggaflá en “El Sistema” y se reafirman en el ragamuffin del que fueron pioneros en los noventa. Este nuevo capítulo viene con la ironía y el conocimiento de causa que caracteriza a sus letras, pero también con algo de locura lúdico-festiva y con un tono alto de crítica reflexionada. Extraido de “El Sistema”, el tema “Jose Mari” toma vida propia y se convierte en la banda sonora de muchas de las manifestaciones que se hicieron contra la guerra de Irak.

En 2003 se publica “El Sistema RMX”. Un disco en el que las remezclas beben de todas las fuentes y participan productores de estilos muy diferentes, además de todos los músicos de La Puta Opepé. En el disco, comparten contenido estilos tan diferentes como Drum&Bass, Miami Bass, Fonki Yeyé, electronica bizarra y hip hop ortodoxo.

A dia de hoy, todos los integrantes de La Puta Opepé siguen dedicados a la música. Un paréntesis de cinco años en el grupo les ha llevado a experiencias individuales tan dispares como la del Hermano L y su incursión en el reggae con el aclamado disco “Malo hasta el Hueso”; Don Manolo, con su proyecto de Lucha Libre y sus conciertos en festivales como el Sónar; Paco como productor y cantante para Jawars; y el Xino, como compositor y productor de hip hop y reggae y haciendo músicas para cine y televisión.

Todos y cada uno de ellos sin dejar los escenarios. Porque ese es sin duda el punto fuerte de la La Puta Opepé: sus directos. Conciertos que se convierten en una fiesta aunque sean con dos micros y unas palmas. Cuatro artistas en el escenario: un dj y tres voces con un elevado sentido del espectáculo y un grado de implicación para con el público pocas veces visto en la escenografía musical nacional. Conciertos divertidos, cálidos y de factura impecable.

En pleno 2011, después de no actuar juntos durante cinco años, se siguen abriendo páginas en Internet pidiendo la vuelta a los escenarios de la puta Opepé.

ZURI

Zuri es un polifacético artista malagueño de larga trayectoria en el mundo de la música y del espectáculo en general. Capaz de tocar varios instrumentos, aparte de cantante, es productor y compositor. Sus raíces empezaron en la música rock hasta que se encontró con el flamenco, su dedicación le llevó a aprender guitarra y cante durante un periodo largo de tiempo que abarca desde mediados de los 90 hasta parte de la década actual, que le ha servido para aplicar estas enseñanzas a otros géneros musicales (rap, reggae, músicas del mundo…)conformando un estilo propio que le desmarca de otros artistas o géneros musicales.

Ha colaborado y formado parte de grupos de la talla de Ojos de Brujo, Danza Invisible, Chico Fargas, La Carmen y ha compuesto bandas sonoras para multitud de compañías de circo y teatro. También ha hecho trabajos para publicidad y ha producido en su estudio a grupos de estilos tan variados como rap, pop, reggaeton, metal o flamenco.

A principios de la década actual, su amistad con los miembros de la promotora y sound system malagueña King Wadada Sound, le lleva a introducirse en la escena reggae, grabando el tema “Ojos Rojos” dentro de la serie de riddims “Bien sobre Mal” producidos por Kamikaze (componente del mítico grupo de hip hop CPV). Debido al éxito de este tema, que podía calificarse como un experimento (ya que funde un flow aflamencado con estructuras reggae sobre un riddim new roots), entre la comunidad reggae y fuera de ella, se decide a hacer más temas que desembocan en un proyecto de lp con el productor malagueño Ras Jouqmahi, entre ellos el tema “De tu fuente “, incluido en el recopilatorio “Ras Jouqmahi Capítulo 1″.

Tras un parón de 5 años motivado por la formación de su proyecto de rap durante dos años en la formación de OJOS DE BRUJO, con los que gira por todo el mundo, al final del 2008 instala su estudio de nuevo en su pueblo natal, Marbella y se decide a producir, componer, tocar , mezclar y masterizar un álbum de reggae (en todos sus estilos, roots, new roots, dancehall, dub…).

Dada su versatilidad con cualquier instrumento pues en su disco él toca las guitarras, el bajo, los vientos, las programaciones, etc… lo que le confiere una entidad en su sonido y junto a la originalidad de su flow aflamencado, podemos hablar de un estilo propio que agrada a cualquier público.

EL TIO CARLOS

Si el primer disco de EL TIO CARLOS fue un disco hecho con el alma, “ENTRA”, su nuevo trabajo, es un disco para el corazón.

Tres años han pasado: tres años desde que El Tio Carlos lanzara su primer trabajo, aquel con el extraño insecto palo en la portada, que embelesó a toda la crítica.

Tres años durante los cuales El Tio Carlos se ha paseado por el mundo, actuando en fiestas de pequeños pueblos e importantes festivales internacionales.

“Entra” en el mundo de El Tío Carlos. Un mundo repleto de música y de imágenes. Alegre, profundo y emotivo, que nos conduce por todo el imaginario mediterráneo, por la actitud latina.

Música para el corazón, imágenes para el subconsciente, alimento para el espíritu.

El Tio Carlos ya posee un lenguaje propio, corrosivo y luminoso.

Ya conocemos la inconfundible voz del “PAYO”, las composiciones de “CHARLY”, su particular manera de abordar las músicas tradicionales, de electrificarlas, de sideralizarlas.

Conocemos también los maravillosos universos creados y proyectados en directo por LAIA RIBAS.

Ahora nos presentan a los músicos que han sabido entender este particular lenguaje:

FRANKY DA SILVA (08001, COLOR HUMANO, POET IN PROCESS…) a la guitarra eléctrica

PITO ROSAS (La CANDOMBERA, NINO GALISSA…) al bajo

SEBAS CABRA (LA SUCURSAL, SA.) a la batería y percusiones

“Entra” es un disco fácil de escuchar, aunque difícil de catalogar.

Abordan el reggae, la cumbia, la rumba, el raï y el tanguillo con espíritu pop, con la fuerza del rock.

Sus referencias musicales, sus melodías, están vivas, no se detienen.

¡Desarman las músicas de raíz para estudiar su corazón y ofrecer así su propia visión.

Rezuman humor sin buscar el chiste fácil.

Su personalidad es única, clara y su principal virtud, nos transporta siempre a mundos en peligro de extinción.

Nos descubren paraísos apenas explorados y personajes imposibles.

Se mueven entre la tradición y la magia, destilan optimismo.

“El Tio Carlos” reinventa y propone estilos musicales, con la inocencia de un marciano feliz que se emociona con una bulería y pretende darla a conocer a sus congéneres en Bulerías desestructuradas.

Han contado con RAMON GIMÉNEZ “El Metralleta”, de OJOS DE BRUJO para remezclar “Benemérito, una rumba cuya letra podría ser de Tarantino.

El primer single, Gósatelo”, abre el disco con el optimismo como bandera, en el que cuentan con sus amigos.

Podemos oir los coros de:

JOSELE, del grupo CANÍBALA

RAMONET

DANI TXÄRNEGO, del grupo LA FAMILIA RÚSTIKA y

ANNA BÁEZ de DOGGIE DAY

“Me paro en Seco, sin duda alguna, va a ser el himno del barrio del Poble Sec barcelonés.

El reggae San Pedro” nos dirige directamente al paraíso.

Ven patrás” nos adentra a ritmo de cumbia en laberintos mentales.

Joer, qué calor” mezcla el tanguillo con guitarras distorsionadas.

Badulaque nos ofrece la visión costumbrista de un inmigrante,

Gomero” reivindica una tierra indómita nunca antes reivindicada.

Sin misterio”, que cierra el disco, es un sensual tema de club, en el que al protagonista le falta el valor para disfrutar de la aventura.

No lo dudes, ENTRA” sin prejuicios en el maravilloso mundo de EL TIO CARLOS

Atrévete y Entra.

TOTEKING

TOTEKING DA UN PUÑETAZO EN LA MESA Y RECARGA SU ARTILLERÍA PESADA CON LAS LETRAS Y RITMOS MÁS AMBICIOSOS DE SU CARRERA: VUELVE EL MC EN MAYÚSCULAS

Por Óscar Broc

La historia de Tote King es la de un talento sin límite de combustible. Pocos rappers españoles han conseguido mantenerse en la cima de forma sostenida durante casi diez años sin acusar el cansancio y, lo más importante, manteniendo su estatus intacto en las calles. También es la historia de un espíritu inquebrantable: su mordacidad no sólo no ha descendido desde sus primeros pasos en el ruedo del hip-hop español, lo más increíble es que ha trazado una línea ascendente a medida que ha pasado el tiempo y la libreta ha ido enriqueciéndose. Las rimas se han afilado hasta el extremo; las ideas son cada vez más claras; las críticas, más incómodas; el compromiso, más incondicional; el humor, más tronchante…

Lejos queda ya el debut compartido con su hermano Shotta en el LP de culto “Tu madre es una foca” (2002). Los esbozos que se apreciaban en crudo en aquel ejercicio fueron cobrando cuerpo en los siguientes pasos del rimador sevillano. “Música para enfermos” (2003) fue un pequeño terremoto de actitud y letras ingeniosas. El álbum no sólo hizo que la gente se olvidara de la bipolaridad Barcelona-Madrid y reparara en la efervescencia de la escena rap andaluza, también presentó un modelo de rapero que no intentaba “ser como” sino “ser él mismo”. Un nuevo discurso irrumpía en la escena con una fuerza arrolladora, presentando a un MC real, un MC instruido, un MC que desmontaba los tópicos yanquis del rap y con el que se identificaron enseguida miles de chavales.

 Con “Un tipo cualquiera” (2007) –el título no engaña-, Tote perfeccionó la fórmula. Sus raps aumentaban en octanaje y chispa y, lo más importante, enviaban mensajes de disconformidad y crítica, con un estilo aplastante y una frescura en el encaje de versos absolutamente irresistible para los que, en lugar de oír, prefieren escuchar.  La progresión lógica fue el trepidante “T. O. T. E.” (2008), con el MC defendiendo su corona con ritmos actualizados y ese discurso cortante que le caracteriza, pero elevado a un nuevo nivel, superando otra vez el listón. Un  listón que ha vuelto a poner unos centímetros más alto para ejecutar la pirueta más acrobática y complicada de su trayectoria.

 El salto a una discográfica como Sony era un paso predecible e incluso necesario. Tote necesitaba una plataforma multitudinaria para seguir creciendo y ha sabido asumir el reto de la mejor forma posible: manteniendo sus constantes intactas, pero llevándolas a un nuevo estrato de excelencia que apunta a grandes objetivos y no sólo a una minoría. En otras palabras, si algo necesitaba el cuarto LP del andaluz era un grado más de ambición –el talento y la buena música está ahí desde hace años- y Tote lo ha aportado en generosas cantidades.  “El lado oscuro de Gandhi” es el disco que debe propulsarle a las capas estratosféricas que merece su talento, quizás por eso todas las canciones presentan un brillo superior y una grandiosidad sonora más acentuada. Para tales menesteres nada mejor que DJ Randy en la mesa, incansable acompañante de Tote en sus giras y constructor avezado de beats que van de la crudeza callejera siglo XXI -“Nada Cambia” a curiosos experimentos de northern soul y blues–“Nos Gusta Beber”, himno fiestero de proporciones sísmicas. No sólo Randy se lleva los galones de la producción autóctona. Su hermano Dani’s Beats  demuestra que esta familia lleva el beatmaking en la sangre y nos regala una muestra de su poderío en el estudio con una de las mejores bases del álbum en el temazo “La Parte más Fea de mi Curro”. También el legendario Sendy deja el pabellón nacional por las nubes con un ritmo futurista que arropa perfectamente las rimas rabiosas de Tote en “Doble Moral”, otro de los puntales del LP. Por no hablar de la contundencia a lo MOP de Kajmir The Royale en “Ese No Soy Yo”. Pero el MC no se ha limitado a jugar con compatriotas, también ha abierto su punto de mira para dar entrada en el tracklist a productores extranjeros no muy conocidos, pero de contrastada hoja de servicios. Danari Gray, Allrounda, The Best Kept Secret, The Third Productions y The Sytnhesis completan la escalera de color.

 Con esta mezcolanza de productores, con aromas nacionales e internacionales, “El Lado Oscuro de Gandhi” se revela como una ambiciosa y ecléctica colección de sonidos con inequívoca huella rap; un paso adelante, musicalmente hablando, en el sendero que Tote había recorrido hasta ahora. Cortes de hardcore clásicos conviven con experimentos de funk, incursiones rockeras con guitarras eléctricas, ritmos etílicos, baladas de soul futurista, samples de Crash Test Dummies, hits para clubs y fat beats sin concesiones. El caldo ideal para un Tote en estado de gracia que, en contra de lo que muchos puedan pensar, no ha suavizado en absoluto su discurso. Más bien todo lo contrario. El propio título del disco nos indica que el sevillano no tiene miedo a desmontar verdades y tópicos por todos asumidos y a disparar a quemarropa a los que se columpian en el doble rasero y la hipocresía. También la actualidad más rabiosa tiembla bajo sus observaciones –no os perdáis el texto de “Crisis”. Las rimas son aplastantes, inteligentes, rápidas, posiblemente las más creativas del panorama español, pero el contenido es también incendiario y está cargado de una honestidad muchas veces brutal. También estudia con su particular lupa los estereotipos del rap español y hace añicos a los que apuestan por la pose y reniegan de sus propias referencias culturales. Pero no todo es mala baba, aunque seguramente muchos saldrán escocidos cuando escuchen letras como las de “Redes Sociales” o la mencionada “Doble Moral”. Tote también tiene tiempo para reivindicar a los jugadores de la NBA de los años 80 en “NBA”, para reírse del turismo de pulsera y mojito en “Dos Españolazos Horteras en el Caribe”, para lanzar una oda a la fiesta alcohólica en “Nos Gusta Beber” y para legarnos unos skits al teléfono descacharrantes. Y todo sin ayudas o colaboraciones absurdas. Solo su voz, sólo sus rimas. No hace falta nadie más.

 Está claro: los que pensaban que Tote domaría su verbo al entrar en una discográfica grande se equivocaban. Quiere llegar a lo más alto, pero mordiendo más fuerte. En la canción “Hemos Llegao” el King deja muy claro cuál es el impacto de sus nuevas pisadas: “Hay dos maneras de salir al mundo, una mirando a tus pies y otra mirando a los áticos: yo soy de los segundos”. Todo dicho.

The Cherry Boppers

BOPPERS

“Los discos se dividen en tres categorías. Los que, tras intentar los tres cuatro primeros cortes, destierras para siempre al estante de las basurillas. Los que consigues acabar, pero te dejan una sensación átona, insípida o simplemente poco interesante en las orejas, con lo que calculas que rara vez vuelvas a ponerlos, aunque pudiera darse el caso alguna vez quizá. Finalmente, están los que no tienes inconveniente en poner una y otra vez e incluso tus seres queridos pueden llegar a odiarte por ello. Este Play it again! de The Cherry Boppers pertenece claramente a esta última clase; y no sólo por su título. ¿Jazz funk en 2008? ¿Tocado por músicos blancos? ¿Y de Bilbao? ¿Sonando así de bien? Pues si, amigos. Puro jazz funk, música para bailar a cargo de uno de los combos más incendiarios del estado español en este joven siglo. Se instituían en el 2004 y dos años después se bautizaban con el disco Dressin’ the Puppet. Maceo Parker y James Brown les supervisaban desde la lejanía. Para el 2007 rubricaban con fuego instrumental el concurso Villa de Bilbao, que se llevaban de kalera. Incluso y todo telonearon a Sly & The Family Stone en el festival de jazz de San Sebastián de 2007, lo cual no es cualquier cosa. Para y desde entonces militan en The Cherry Boppers Mihail Goldfingers en saxo y flauta, Txefo K-Billy percutiendo los parches y su socio, el bajista Lando Stone, dándole lustre a la sección rítmica; Xixo Yantani en las seis cuerdas e Ignatius Jhonny aplicando los diez dedos al Hammond leslieficado completan este pequeño regalo sonoro a reventar de soul auténtico. Abre la batidora y vierte en ella rock, psicodelia, jazz, funk, rap, cine blaxpotation, melenas de rizo y la belleza a la vez elegante y macarra de un tiempo tan violento, como inocente: los 60 y 70. La dirección musical del grupo viene desde la colección Blue Break Beats, que recoge las mejores grabaciones de jazz funk y rare grooves del sello Blue Note, realizadas por artistas como Donald Byrd, Reuben Wilson, Grant Green, Lonnie Smith, Jimmy McGriff… Casi nada. Con una producción firmada por dos sabios veteranos, el Sex Museum Fernando Pardo y el exNegu Gorriak Kaki Arkarazo, The Cherry Boppers han montado un artefacto sonoro que, sin dudarlo una miaja, les convierte en una de las propuestas musicales que se nos escurre como arena entre los dedos.

Rap’susklei

Rapsus

 

Rap’susklei AKA el niño de la selva, 20 años de Rap, su vida en CDs y casettes.

Corría el 90 y el señor Don Diego ya con 10 añitos empezaba a escribir sus primeras canciones bajo el alias de “El puto Sark”, canciones que llevaban la influencia  del rap de grupos norteamericanos, ya entonces se le veía en distintos freestyles de la ciudad en los que siempre causaba sensación por sus afiladas rimas su pequeña altura y su muy corta edad.

En el 95 llegó su primera grabación editada “Estado de Locura” una maqueta que dió muchas vueltas por los radiocasettes y programas de radio de los raperos zaragozanos y que le dio la oportunidad de empezar a aparecer en todos los conciertos de rap que se organizaban en la ciudad. Así empezó a ganar tablas sobre escenarios, cambió su nombre artistico por “El corazon de la rima” y  grabó una maqueta junto con su grupo “Fuck tha posse” que se convirtió en una de las referencias del underground zaragozano.

Ya en 2002 después de años de presiones por sus colegas y distintas discograficas acepta a grabar un LP pese a sus reticencias con todo tipo de “burocracia musical” .

Junto al productor Hazhe editan “La Historia Mas Real de Vuestras Vidas” , un LP que los años han convertido en un clásico, frescura al máximo se mire por donde se mire, un rapero hablando de la vida en la naturaleza, recitando poemas de amor y odio, métricas anárquicas y unos ritmos mas que afinados con la lírica.

Tras su primer largo Rap’susklei editó dos trabajos más junto a Hazhe y decidió no volver a sacar otro disco, solo maquetas… y así van ya 27 maquetas, algunas se mueven por Internet y otras están todavía esperando ver la luz tras años en un disco duro.

Finalmente 6 años después de su ultimo disco editado, Rap’susklei tras montar su propio sello discográfico para controlar su carrera decide volver a las estanterías.

“Pandemia” es el nombre de su nuevo trabajo y seguro que esta no va a ser una alarma sin fundamentos, Rap’susklei ha vuelto para ponerse en su sitio. 

Rap’susklei AKA el niño de la selva, 20 años de Rap, su vida en CDs y casettes.

 

Corría el 90 y el señor Don Diego ya con 10 añitos empezaba a escribir sus primeras canciones bajo el alias de “El puto Sark”, canciones que llevaban la influencia  del rap de grupos norteamericanos, ya entonces se le veía en distintos freestyles de la ciudad en los que siempre causaba sensación por sus afiladas rimas su pequeña altura y su muy corta edad.

 

En el 95 llegó su primera grabación editada “Estado de Locura” una maqueta que dió muchas vueltas por los radiocasettes y programas de radio de los raperos zaragozanos y que le dio la oportunidad de empezar a aparecer en todos los conciertos de rap que se organizaban en la ciudad. Así empezó a ganar tablas sobre escenarios, cambió su nombre artistico por “El corazon de la rima” y  grabó una maqueta junto con su grupo “Fuck tha posse” que se convirtió en una de las referencias del underground zaragozano.

 

Ya en 2002 después de años de presiones por sus colegas y distintas discograficas acepta a grabar un LP pese a sus reticencias con todo tipo de “burocracia musical” .

Junto al productor Hazhe editan “La Historia Mas Real de Vuestras Vidas” , un LP que los años han convertido en un clásico, frescura al máximo se mire por donde se mire, un rapero hablando de la vida en la naturaleza, recitando poemas de amor y odio, métricas anárquicas y unos ritmos mas que afinados con la lírica.

 

Tras su primer largo Rap’susklei editó dos trabajos más junto a Hazhe y decidió no volver a sacar otro disco, solo maquetas… y así van ya 27 maquetas, algunas se mueven por Internet y otras están todavía esperando ver la luz tras años en un disco duro.

 

Finalmente 6 años después de su ultimo disco editado, Rap’susklei tras montar su propio sello discográfico para controlar su carrera decide volver a las estanterías.

“Pandemia” es el nombre de su nuevo trabajo y seguro que esta no va a ser una alarma sin fundamentos, Rap’susklei ha vuelto para ponerse en su sitio.

Tote King

Foto 1 gira 2008

Tote king, es un tipo cualquiera. Su cercanía y su simpleza ante el público lo han convertido en el mc del momento. Un golpe de modestia de un rapero fuera de lo normal.
La carrera en solitario de ToteKing se inició con un disco que salió con el nombre artístico de “Toteking y Shotta” titulándose “Tu madre es una foca”. El estilo fresco, directo e innovador que demuestra ToteKing en este disco le sirvió para alzarse como ganador del premio Hip-hop Nation al mejor Mc revelación de 2002. En 2004 lanzó su primer larga duración, esta vez en solitario, titulado “Música para enfermos”, A comienzos de 2006, BoaCor anuncia el acuerdo con Tote King para la publicación de su segundo disco en solitario, de título “Un tipo cualquiera”. Tote King está consolidado como uno de los mejores de la escena del Hip hop nacional, e incluso internacional, ya que estuvo de gira con Solo los solo y La Mala Rodríguez en Holanda. Realizó, junto a Dj Grifi , la canción promocional de La Sexta para el Mundial de Baloncesto de Japón 2006 titulada “Al rojo vivo”

Peret

FOTO 1 PERET

Peret (Mataró 1935) es uno de los grandes protagonistas de la música popular española del siglo XX. Ahora ha decidido entregar el disco más audaz de su carrera en el que muestra la música que le influyó cuando daba sus primeros pasos. Así Peret reconstruye sus raíces adaptando a su estilo rumbero, el cuplé, el tango, el “Rascayú” de Bonet de San Pedro, la copla y la música caribeña.

PERET Y LA RUMBA CATALANA
Los historiadores de la cosa musical aún no han conseguido desentrañar la capacidad de Peret de mezclar a finales de los años cincuenta  mambo y rock and roll con una guitarra y unas palmas para crear un ritmo nuevo llamado Rumba Catalana. Peret adaptó el repertorio caribeño a su manera, le añadió composiciones propias hasta conseguir una enorme lista de éxitos que le convirtieron en los años 60 y 70 en un personaje habitual en las galas de televisión. Sin embargo, su música también vivió un recorrido “underground”, infinidad de músicos de rock han confesado su admiración por él.
“De los cobardes nunca se ha escrito nada” es un álbum que contiene el mejor Peret de la historia. El más sabio, el que te sorprende en cada verso. El que hace de un estribillo una juerga hasta la madrugada. Colaboran La Mari de Chambao (La Chabola) y Marina de Ojos de Brujo (El muerto Vivo).  Se acompaña de un DVD con un documental histórico que contiene una selección de actuaciones de Peret en RTVE

REGRESO AL FUTURO
“Creador de un nuevo ritmo, catalán y soberano, se presenta ante ustedes, Peret y sus gitanos”
Así se anunciaba en los años sesenta en sus apariciones en el teatro Victoria del paralelo barcelonés. Peret impuso su estilo que caló en los turistas que visitaban la Costa Brava y los tablaos de Madrid y Barcelona. Un estilo que fue adaptado rápidamente por docenas de artistas dentro y fuera de Cataluña.
¿Qué había antes de la rumba catalana? ¿Qué había antes de la llegada del rock a España?
Peret vivió una infancia insólita en los años de la posguerra. Se libró de la opresiva atmósfera del franquismo, aprendió a leer, leyendo los carteles de las calles: Nunca fue escolarizado como los demás niños, con lo que se libró de los miedos y angustias que proyectaban los colegios. Creció libre.
Peret se había trasladado siendo un niño desde Mataró a la calle Salvadors junto a la calle de la Cera, un lugar donde vivía un pequeña comunidad gitana desde hacía varias generaciones. Su padre era un conocido vendedor de textil conocido como “el Mig Amic” (el medio amigo) con el que el joven Peret aprendió el oficio de mercadear con trajes y telas.
En 1947 Peret debuta junto a su prima Pepita en las funciones y festivales infantiles como los Hermanos Montenegro, ese año reciben una copa de manos de Evita Perón como ganadores de un concurso organizado para agasajar a la primera dama argentina. Peret era un guitarrista autodidacta, pero será un accidente de motocicleta a mediados de los años 50 en Palma de Mallorca lo que le inclina definitivamente hacia el arte (y gracias al que se libra de la mili). “Fue en ese momento cuando me tomé en serio la guitarra aunque en mi familia nadie había sido artista”, recuerda.

MAMBO Y ROCK AND ROLL, LA ECUACIÓN
El protagonista indiscutible de la rumba catalana había construido ese nuevo ritmo a finales de los años cincuenta influenciado por el mambo de Perez Prado y el rock de Elvis Presley. Una ecuación, arrebatada y moderna, que reconciliaba el mundo anglo y el latino. Hay que recordar que el primer rock and roll de la historia “Rock around the clock” de Bill Halley desbancó en el numero uno de las listas norteamericanas a Perez Prado y su “Cerezo rosa”.
¿Cómo llegó Peret a conciliar en Barcelona la culminación de la música latina del mambo con el emergente Rock and Roll?
La respuesta es, aparentemente, sencilla. Ambas músicas desembarcaron en Barcelona con la flota norteamericana que a partir de 1951 desfogaba sus instintos primarios en el barrio Chino (hoy el Raval) a tan sólo unos metros de la calle de la Cera. La influencia de los barrios llamados de “tolerancia” en los que se concentra la prostitución fue fundamental en la génesis del jazz de Nueva Orleans a principios del siglo XX y fue decisiva en el crecimiento de los Beatles en su viaje y estancia en Hamburgo.
Las primeras actuaciones como Peret y sus gitanos se celebran en un restaurante de Calella. Luego llegaría un primer single titulado  “Patio Flamenco” destinado al incipiente turismo. “Me llevó Paco Aguilera (bailaor, hijo del guitarrista del mismo nombre que acompañaba a Lola Flores) al estudio de grabación y me pagaron tres mil pesetas” recuerda Peret.
Luego se embarcó con su amigo Toni (que más tarde se convertiría en uno de sus palmeros) destino al Rio de la Plata, primero Montevideo y luego Buenos Aires, no era una gira artística, era un viaje para vender telas. Regresan alrededor de 1961. Vuelve a los estudios de grabación y graban varios singles para el sello EMI.
Entre 1962 y 1963 se convierte en el coordinador de los artistas que participan en la película “Tarantos” dirigida por  Rovira Veleta y protagonizada por Carmen Amaya. La película gana un oscar a la mejor película extranjera en 1964. A Peret se le ve en la fiesta gitana en la playa del Somorrostro y acompañando a la bailaora Carmen Amaya, pero su labor se desarrolla básicamente detrás de las cámaras, acompaña al bailaor  Antonio Gades  en su memorable baile en las ramblas y se encarga de coordinar a la tropa de gitanos que aparecen como extras de la película.
Su manager de entonces le lleva a Discophon, sello en el que debuta en las navidades de 1963 con “Villancicos gitanos”. Mientras su carrera como artista se solidifica, la EMI reedita los singles que había grabado anteriormente. Debuta en “el Duende” tablao madrileño propiedad de Pastra Imperio y Gitanillo de Triana. Salta a la televisión y a la fama.
1968 se convierte en el despegue definitivo de su carrera internacional, interviene en el Midem de Cannes y gana el festival de Sopot en Polonia. En 1967  estrena “Una Lágrima” con Vergara (posteriormente Ariola).  Los éxitos se suceden por toda Europa hasta el punto de que participa en la ceremonia de apertura de las olimpiadas de Munich de 1972.
En 1974 acude al festival de Eurovisión con la canción “Canta y se feliz” en un momento de fuerte presión internacional contra el régimen de Franco por la ejecución (por el método del garrote vil) del anarquista Puig Antich. El festival lo ganan los suecos Abba con la canción “Waterloo”. Ese mismo año Peret se deja crecer el mismo bigote que James Brown y hace funk en la lengua de los gitanos, el caló.
Con la muerte de Franco y la posterior transición política, Peret sigue trabajando  con la intención de conquistar definitivamente el mercado americano. Pero una noche viajando por una carretera ve como una luz le envuelve. No está claro si fue una experiencia mística o una abducción de los extraterrestres, el caso es que Peret se hace predicador de la iglesia Evangelista de Filadelfia y colabora con ellos para levantar varias iglesias en diversos puntos de Barcelona. Con Peret fuera de juego musical, solo queda Gato Pérez en activo que desde 1978 teoriza alrededor de la rumba catalana, el ventilador y sus circunstancias.
En 1988 los Gipsy Kings obtienen un éxito planetario. Los gitanos franceses hacen de la rumba catalana una fórmula perfectamente presentada bajo el nombre de flamenco. Para el marketing hablan de la historia de los gitanos pero olvidan establecer las diferencias entre la rumba catalana y el cante jondo. Con el consiguiente disgusto para los rumberos catalanes, a los que no mencionan, y el cabreo de los flamencos que tardarán una década en explicarle al mundo que el flamenco es otra cosa.
Peret regresa a la acción en 1991, reorganiza a los gitanos de la calle de la Cera y produce varios discos. Protagoniza la clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 junto a Los Manolos y Los Amaya. De nuevo varias generaciones de músicos de aquí y de allá descubren en público su querencia por Peret. Lugares como Londres y Nueva York bailan al ritmo de su rumba.

“DE LOS COBARDES NUNCA SE HA ESCRITO NADA” EL DOCUMENTAL
Seguramente la imagen más potente de la historia de la música popular en España es ver a Peret dándole la vuelta a su guitarra. Muy pocos han intentado imitar el malabarismo y hoy es casi imposible verlo en un escenario. “es que no es fácil” dice Peret con una sonrisa.
El documental arranca con los primeros recuerdos de Peret y son los humoristas Tip y Coll los que resumen la trayectoria de Peret en una delirante presentación del personaje procedente del programa “La juerga gitana de Peret” que dirigió , el recientemente desaparecido,  Valerio Lazarov en 1976. Queda para la historia que Lazarov no utilizó el recurso que le hizo célebre. “el zoom”.
El repertorio de Peret inmortalizado por TVE entre 1966 y 1970 asombra por la capacidad de una guitarra y unas palmas para catapultar una fiesta que transforma el sabor caribeño en  gitano con la actitud del primer rock and roll.
Uno de los documentos excepcionales que contiene el DVD es ver a Peret en el cine Padró de La calle de la Cera. Peret se presenta, después de su participación en Eurovisión, ante los gitanos de su barrio. Impagables son los rostros captados por el realizador  Antonio Chic para el programa “A su aire” (emitido en noviembre de 1974), fabulosa la versión de “Chaví” la incursión de Peret en el funk. El momento más emotivo del documental llega a continuación cuando Peret le dedica a su padre “El Mig Amic” la canción del mismo nombre.
Aquí no cesan las sorpresas, y así aparece la leyenda de la bossa nova Maria Creuza en una relajada improvisación entre “No se puede aguantar” y “El mesón del Gitano” donde aparece Pedrito Díaz el percusionista cubano afincado en Barcelona. Del mismo programa “la juerga gitana de Peret”  (1976) procede el broche de las actuaciones con una inclasificable versión del “Belén Belén” junto a Los Zíngaros del Danubio.

José Manuel Gómez